由白盒子艺术馆主办，冯博一策划的“触碰于可能的形状——杨劲松作品（2016-2018）”展览于2018年4月28日下午4点在白盒子艺术馆如期开幕。此次展览甄选12幅作品，呈现了杨劲松近两年油画创作的最新探索与样貌。
当代的方式，传统的气息
库艺术=库：以线的方式勾勒，放弃色彩与大笔触的渲染，这种绘画方式是如形成的？
杨劲松=杨：在上世纪90年代，我的作品主要是以个人日常叙事的视角切入当代艺术，最近这些年来我更喜欢借鉴传统绘画的气息，与自身的文脉发生关联，尽量减掉叙事性
。
库：您以前的作品感觉很强烈，有的甚至蛮暴力的，现在则变得平静，淡然。为何有这种变化？
杨：这跟我个人生活经历有关。这几年父母相继过世，再加上工作室拆迁等其他原因，创作停顿了一两年的时间，原先那种带有社会隐喻性的宏大叙事的题材创作基本停止了，画这批新作的过程也是我个人内心治愈的过程。通过绘画，我也试图得到一种心安。
库：川美似乎对于“图像绘画”有某种偏好，也产生很多杰作。您的新作却似乎淡化了图像的辨识度和视觉效果等问题。在这方面您是怎么考虑的？
杨：川美有这个传统，从罗中立时代开始就是以一个具体的图像符号来表达自己的观念，一直到后来的张晓刚等，我早年也是画相对固定的题材，早期是画我和我夫人，后来是画日常生活中琐碎的物件。1999年在德国住了一段时间回来之后，开始了对传统的重新关注。2007年我与曾梵志、张恩利等艺术家参加了在上海美术馆举办的名为“超越图像”的批评家提名展，当时这个展览也是希望在当代绘画领域做一些推进，所选择的艺术家也大多是与“手感”有关的画家。我觉得相较于前几代艺术家，我们这一代在艺术语言上可以更加国际化，但也希望同时保留自己的文化特征。这个特征不是表象，更多是内在气质上的。因此无论什么媒介的作品，我都强调要看“气息”。我在美院也上新媒体的课程，很多学生也选择了装置、影像等艺术媒介，但我还是感觉画画这种“关起门来折磨自己”的方式比较适合我。
库：您以前的作品也关注社会现实，现在这方面明显淡化了，这是为什么？
杨:我年轻时也是个“愤青”，但现在我认为光靠抱怨和不合作并不能改变中国的根本问题。中国社会要改变，每个人都要改变自己。这个社会最需要的是慈悲和智慧，每个人都要修行，小到不要随地吐痰这样细微的事情，如果每个个体都能做到，对这个社会就是很大的改变。
库：感觉您现在的作品也没有什么要说的话，就是个人沉浸其中的一个过程？
杨：对，在开始这一批作品的时候，我受到了罗斯科的影响，他的绘画里有一种很强的精神性，对我影响很大。我更多是在消解“有效”，追求“无效”。但又不是走向抽象。这个平衡我也一直在纠结，一直在调整。
本次展览显示了杨劲松的绘画跨出了对于“表现性”的追求之后，在一种非具体的抽象关系中，凸显了一种“不稳定”的作用，一种难以把握的变动不居。作品利用了中国传统的文化资源，通过日蚀、云图、水形与树语的视觉形象，以及对绘画语言的不断纯化，实践着在意念与意境中体现的东方情怀。从杨劲松的新作中不难发现他的作品都是从一笔灰色开启的，他有意造成画面的水天一色或柳枝、叶蔓的纠缠，看似一片灰蒙，笔触与线条却有着中国传统书法的起承转合，潜隐着他伤感的情节和人生的感喟，以及抵抗一种实在的虚无。
杨劲松的新作相较于之前的绘画语言方式发生了转变，例如他的“鱼系列”
作品是以支离破碎，怪诞，畸形来呈现亲情视觉样态，用象征和隐喻的手法阐释对现实的、时代危机的洞察，继承人文精神传统，在个人精神与心理层面的投影上隐喻出社会的动荡，而从2016年之后所创作的作品却显示出潜沉往复的一种回归，注重个人内心静观的认知，去掉之前绘画语言的叙事性、象征性，创作视野从早期比较直接的现实关怀，逐渐地内敛到自己个人的觉知，利用自然景观的摹本与绘画语言的不断深化，在意念与意境中体现东方的情怀。杨劲松捕捉自然场景的表象，但拒绝复制形而下的图景，画面的景观象征性地渗透他的个人机遇，将自身记忆、情感的存在给予自我关照，形成了作为能指的自在与自足的语境。
杨劲松为人低调、内敛，他不愿把喧嚣、浮躁塞满他的生活，将自己困于浮华的瑰梦里，静守己心，不随波逐流，保留着艺术家个人园地与象牙塔般的情怀与趣味。此次展出的作品可以看出，他将时尚的流行色剔除，也没有当下流行话语的痕迹，以黑白灰的色调为主，
站在画作前，也许会给你一种淡然无味的感觉，而这样的“淡然”是杨劲松给予艺术的注解，抑或是一种灵性的感悟，一种艺术的印证，这种印证是诗性的疏离和抵抗正直而激烈。看他的新作，你能在日常朴素的画面里不经意地发现与人性相关的境界，绝非宏大叙事。他所要求的艺术是不受外在的制约而获得独立性的思考，精制、温宁、久远，没有流行的杂色，从中能看到时代、现实另一侧面的文人操守。因此，杨劲松是属于不见容于通行艺术模式的艺术家之一。
触碰于可能的形状——杨劲松作品（2016-2018）